Nat King Cole

Hoy sàbado 17 de marzo de 2018 cumplirìa años nat King Cole

Nathaniel Adams Cole (*Montgomery, 17 de marzo de 1919 – † Santa Mónica, 15 de febrero de 1965), Nat King Cole, pianista y cantante estadounidense de jazz y pop.


Su primer éxito como cantante lo obtuvo con «Straighten Up and Fly Right», basada en una leyenda afroamericana que su padre había utilizado como tema para sus sermones. Se considera que esta canción es la predecesora de las primera grabaciones de rock and roll.

Cole alcanzó el número uno de ventas en 1950 con la canción Mona Lisa. A partir de ese momento se inició una nueva etapa en su carrera, y se convirtió principalmente en cantante de baladas aunque no olvidó sus raíces en el jazz lo que no evitó que algunos críticos le acusaran de «haberse vendido» a la música comercial.

Nat King Cole se convirtió en el primer afroamericano en tener un programa de radio propio y en 1950 repitió la proeza, esta vez en un programa de televisión. Cole luchó durante toda su vida contra el racismo y se negó a actuar en los lugares en los que se practicaba la segregación racial. En 1956, mientras actuaba en Alabama, sufrió un ataque por miembros del «Consejo de ciudadanos blancos» que pretendían secuestrarle. A pesar de que sufrió diversas heridas completó la actuación en la que anunció que no volvería nunca más a actuar en el sur.

Se casó por segunda vez con Maria Ellington con la que tuvo cinco hijos, dos de ellos adoptados. Su hija Natalie Cole es también cantante. Cole, fumador empedernido, falleció de cáncer de pulmón en 1965.

Editado por Ceballut el 14 Ene 2007, 20:58

fuente: http://www.lastfm.es/music/Nat+King+Cole/+wiki

 

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Sergio denis de cumpleaños

Hoy viernes 16 de marzo de 2018 cumple años el compositor y cantante Argentino. Héctor Omar Hoffman, más conocido como Sergio Denis, nacido en un pueblo llamado San José, Argentina, el año de 1949.
Este músico se ha comenzado a involucrar con la música desde pequeño cuando cantaba en fiestas de la escuela y reuniones familiares.
Recién a los 16 años de edad, Héctor integra el grupo musical “Los Jokers”, con el cual recorre durante 4 años las localidades vecinas a su ciudad realizando presentaciones impecables.
Al llegar el año 1969, se logra radicar en Buenos Aires junto a su familia, y allí mismo ingresa al conjunto llamado “Los Bambis”, con el que graba por primera vez para un sello discográfico CBS Columbia, el cual le ha dado la oportunidad de comenzar su carrera como solista, y en noviembre del mismo año graba los temas “Fui un soñador” y “Te llamo para despedirme”, con la producción de Francis Smith.
Comenzó a difundirse a fin de ete año, y a comienzos de 1970 realizo su primera actuación en televisión, en el programa “Casino Philips”, conducido por Andrés Percivale y emitido por Canal 13 de Buenos Aires.
Y ha sido en este mismo mes que el cantante es contratado por el mismo canal pero esta vez para el ciclo “Sábados Circulares” de Pipo Mancera.
Al poco tiempo, el artista viaja con destino hacia México, en donde participa en el “Primer Festival de la Canción Latina”, donde ocupa el 5º lugar con el tema “Yo te amo como entonces”, que nunca se ha editado. De regreso, ha sido incorporado al Batallón de Comunicaciones 181 de Bahía Blanca, para cumplir con el Servicio Militar Obligatorio, por lo que debe suspender sus actividades.
Al llegar el año 1972, es elegido por un director y se anima a mostrar su faceta de actor protagonizando la única película de su carrera, junto a Alicia Bruzzo, Luis Brandoni titulada “Me enamoré sin darme cuenta”. Posteriormente, realiza una actuación en el Teatro Ópera, siendo el primer argentino en realizar su espectáculo en esta prestigiosa sala porteña, y aquí ha cantado acompañado por una orquesta de 36 músicos dirigida por Jorge Calandrelli. Luego abandona CBS Columbia y graba, a mediados de 1976, contratado por TK, una nueva discográfica, con quien edita solo un álbum, debido a que en el año siguiente cambiaría nuevamente por la Discográfica PolyGram, y con esta misma ha grabado la mayoría de sus grandes éxitos.
Al llegar 1991, Sergio Denis, así es su nombre artístico integra el plantel artístico de EMI Odeón y realiza, hasta 1995, cuatro discos más.
Este músico argentino ha incursionado en la música popular romántica, entre sus canciones más conocidas, se encuentran “Yo nunca supe más de ti”, “Un poco loco” y versiones en español de canciones grabadas originalmente en inglés por otros artistas, como lo son “Nada cambiará mi amor por ti” y “¿Cómo he de vivir sin tu cariño?”.

fuente: http://www.biografias.es/famosos/sergio-denis-337.html

Aldemaro Romero

ayer lunes 12 de marzo de 2018 cumplió años el pianista y compositor Venezolano Comenzó sus estudios musicales con su padre, Rafael Romero, quien era director de la Banda del Estado Yaracuy. A los 9 años, ya era experimentado cantante y el primer locutor de radio infantil en la emisora La Voz de Carabobo. Allí animaba un espacio llamado La Hora Infantil junto a su hermana Rosalía Romero, menor de edad igual que él. Además, en dicho espacio también vendía publicidad.

En 1941 se trasladó a Caracas y trabajó inicialmente junto a músicos populares del género típico conocido como música cañonera. Paralelamente, toma clases de mecánica y de música con el compositor venezolano Moisés Moleiro. Su primer trabajo es como pianista en salones nocturnos y en orquestas de baile siendo la primera de ellas la orquesta Sonora Caracas. En 1944, firma un contrato con la emisora caraqueña Radio Libertador en la cual funge de pianista de planta. Allí conoce al director de orquesta popular Luis Alfonzo Larrain, con quien toma clases de música y de quien recibe fundamentos de disciplina, de los cuales hará uso más tarde cuando dirija sus propias agrupaciones. Larrain le asigna, gracias a su talento, el triple rol de subdirector, arreglista y pianista de su orquesta. Con esta agrupación inicia su carrera de compositor con el bolero “Me queda el consuelo”. Se separa después de esa orquesta al unirse a la agrupación bailable de los cantantes populares Rafael “Rafa” Galindo y Víctor Pérez, continuando su rol de pianista. En 1948, se independiza creando su primera orquesta de baile llamada “Aldemaro Romero y su Orquesta” la cual dura hasta 1950, cuando tiene una actuación en la cinta venezolana “Tres meses de vida”. Realiza actuaciones en radios caraqueñas y en 1952, llamado por su amigo, el tenor Alfredo Sadel, se marcha a Nueva York firmando contrato con la disquera transnacional RCA Victor para grabar con una orquesta de estudio, una serie exitosa de álbumes en formato LP denominada Dinner In…, ofreciendo música latina popular, idea del propio Romero que al final fue aceptada. Así, el nombre del joven Maestro forma con el de veteranos músicos tales como, el argentino Terig Tucci, el mexicano Pablo Ruiz, el brasileño Rafael “Fafa” Lemos y el cubano René Touzet parte de la pléyade de artistas que dieron vida a esta serie discográfica.

El primero y más exitoso de estos álbumes fue Dinner in Caracas, grabado curiosamente con músicos estadounidenses y dos venezolanos, uno de ellos el propio Romero, y el contrabajista. Esta grabación fue realizada en formato monaural, en momentos en que la estereofonía y la grabación multipista aún no hacían su aparición formal. Con este álbum superó los registros de venta hasta entonces conocidos en el mercado discográfico de América del Sur y concluye esta serie en 1956, con Dinner In Colombia, grabado en los estudios de RCA Víctor Mexicana. Luego, grabó numerosos álbumes en diferentes países, entre ellos, Cuba. En este país, realiza la dirección y el arreglo para el tema “Alma Libre” grabado a dúo por Alfredo Sadel y Benny Moré.

En Estados Unidos, su capacidad como arreglista y director lo condujo a colaborar con orquestas y cantantes populares, como Dean Martin, Jerry Lee Lewis, Stan Kenton, Machito y Tito Puente, entre otros. También viajó extensivamente, desarrollando su arte en numerosos países: México, Puerto Rico, Colombia, Perú, Brasil, Argentina, España, Francia, Grecia, Suiza, Suecia, Italia, Rusia, Egipto y Japón. En 1957 creó en Estados Unidos una Gran Orquesta bajo el género del mambo y es contratado para los Carnavales de Caracas, ese año, acompañando al vocalista cubano Miguel de Gonzalo. La orquesta es considerada como una atracción extranjera por no ser venezolanos sus integrantes, exceptuando al propio Romero, pero esto no es obstáculo para que sus presentaciones sean exitosas.

En 1960 vuelve a Venezuela, para ser el productor y presentador del programa “El show de Aldemaro Romero” en el cual cumple otras funciones más, entre ellas la de escenógrafo. Allí acompaña o presenta a cantantes venezolanos y extranjeros de la época como el cuarteto Los Cuatro y Simón Díaz. Para septiembre de 1964 participa en una presentación donde ejecuta jazz demostrando su versatilidad musical. Hacia 1965, hace grabar al vocalista juvenil Cherry Navarro el pasodoble “Adiós, Madrid” en un atisbo de lo que sería posteriormente, el movimiento de la Onda Nueva. Hacia 1968 firma un nuevo contrato con RCA Víctor en Italia, para grabar en ese país la segunda parte de “Dinner In Caracas”. Al terminar la década, el productor y locutor Renny Ottolina llama a Romero para componer los temas incidentales y principales de la escenificación para la televisión del cuento infantil “El angelito más pequeño”. Destaca de todos estos temas, el Sueño de una niña grande, vocalizado en esa oportunidad por el ya desaparecido actor y cantante venezolano Germán Freites.

La Onda Nueva

Durante una convalecencia, Aldemaro Romero, encuentra la inspiración para presentar en el año 1968 su creación de una nueva forma de interpretación de música venezolana, conocida como Onda Nueva, derivada del joropo e influenciada por el jazz y la bossanova brasileña. La idea también surge debido a que, hasta entonces, la música venezolana carecía de movimientos innovadores que la hicieran renovarse. Cuando Romero presentó esta idea a su amigo, el contrabajista de origen austríaco Jacques Braunstein, solicitándole su parecer, él respondió que aquello le parecía “una Onda Nueva”, lo cual sirvió de identificación al movimiento musical desde ese momento hasta la actualidad. Sin embargo, existe otra versión en la que el músico Frank Hernández (colaborador de Romero en los años de vigencia del movimiento) señaló que el surgimiento de la Onda Nueva se debió a un encargo realizado por una empresa publicitaria a Romero, que no gustó a esta empresa, aunque sí a los músicos participantes.[2] Según esta otra versión, el resultado fue aplicado por Romero y Hernández a “diferentes tipos de música”. Sin embargo Hernández reafirmó el mérito del músico Braunstein, por haber dado el nombre al movimiento musical.

Como consecuencia, de 1971 a 1973, para impulsar este movimiento Romero creó los Festivales de la Onda Nueva en los que se presentaron destacados músicos y solistas tales como Franck Pourcel, Paul Mauriat, Astor Piazzolla, Juan Gabriel, Consuelo Velázquez, Eliana Pitman y Marco Antonio Muñíz, además de artistas venezolanos como Mirla Castellanos y Alfredo Sadel. Estos festivales significaron un gran esfuerzo económico (más de un millón de la moneda de ese momento) y organizativo para Aldemaro Romero. Desafortunadamente, estos festivales carecieron de proyección en el exterior, por lo que dejaron de existir, lo que no impidió que Romero siguiera difundiendo hasta donde alcanzaron sus esfuerzos, tanto en Venezuela como en el exterior los temas que había escrito varios años antes, adaptados a este movimiento musical.

También tuvo un papel importante en el campo de la música culta. En 1979 fundó la Orquesta Filarmónica de Caracas, de la que fue su primer director y que desapareció años después, al negarle apoyo económico el gobierno del ex presidente venezolano Jaime Lusinchi hacia 1983 al suspenderle el subsidio anual que se le otorgaba, según palabras del mandatario “para evitar que Aldemaro se hiciera rico”.

También dirigió la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta de Cámara Inglesa, la Orquesta Rumana de Radio y Televisión y la Real Orquesta Filarmónica.

1980s

En esta década, Aldemaro Romero incursiona en el negocio discográfico con su empresa Supra Vox en la que edita por vez primera álbumes con su propia voz, en géneros muy diferentes a los que había manejado previamente, más para complacer un antojo personal que por motivos comerciales. La disquera tuvo una vida efímera, pero a pesar de ello, Romero siguió haciendo programas de radio y televisión junto a su amigo, el humorista Manuel Graterol “Graterolacho” Santander y dedicándose a la actividad musical en diferentes facetas tales como hacer composiciones y proyectar vocalistas para difundir sus temas.

Fallecimiento

En los últimos años estaba semi-retirado, por lo que su actividad discográfica había cesado. Falleció al complicarse el estado de su salud, siendo diabético, con una oclusión intestinal en la mañana del 15 de septiembre de 2007.

Premios

En 1969 Aldemaro Romero recibió el Premio de la Paz de los intelectuales soviéticos, en el festival de cine de Moscú por la música de la película La Epopeya de Simón Bolivar. También obtuvo el primer premio como compositor y director en el Festival de las Palmas en Mallorca (España), el Festival Musical de los Juegos Olímpicos en Grecia, y en el Festival de la Canción Latina de México. Por su extenso trabajo, recibió numerosos reconocimientos en su país, siendo galardonado con las órdenes al mérito Andrés Bello, Diego de Losada, Francisco de Miranda y las órdenes del Mérito al Trabajo, todas en su primera clase, concedidas por el gobierno venezolano a los políticos, artistas y personas con logros excepcionales. En el año 2000 obtuvo el Premio Nacional de Música, y en 2006 los grados de Doctor honoris causa de la Universidad de Carabobo y Universidad Lisandro Alvarado de Barquisimeto.

Legado

El crítico musical Eleazar López Contreras (nieto del ex-presidente venezolano del mismo nombre) escribió lo siguiente acerca del legado de Aldemaro Romero:
Los vastos conocimientos de Aldemaro Romero estaban fundamentados en su enorme talento, que le permitieron conocer y absorber el hecho musical desde la perspectiva de ejecutante, arreglista y director. Como quien tiene talento lo tiene para todo —tal como él solía decir—, Aldemaro lo tuvo en muchos campos, lo cual le dio una increíble experiencia en múltiples áreas relacionadas con la música.

Esta feliz combinación de talento, conocimientos y experiencia fue la que le dio lustre a su fructífera carrera, la cual comenzó al iniciarse como precoz guitarrista y locutor infantil en la radio de Valencia, donde nació en 1928, y culminó al ser reconocido mundialmente como respetado compositor de intrincadas y originales obras de carácter académico, de las cuales dejó más de ochenta — muchas de ellas sin estrenar — cuando falleció en 2007, a la edad de 79 años.

De acompañar a Rafael Lanzetta como guitarrista, pasó a ser incipiente pianista…, todo ello (ocurrió) cuando la familia se mudó a Caracas en 1942. Entonces, se escapaba de su casa para tocar con (conjuntos) cañoneros, en emisoras de radio y en algunos bares con piano y cabarets, de donde su padre, el severo maestro Rafael Romero, quien ya le enseñaba algunos rudimentos de la música, iba a sacarlo por las orejas. Muy pronto, el joven pianista pasó a tocar en el Hotel Majestic (alternando en otros dos lugares más, pues entonces hacía tandas en tres sitios). Tocar en esos locales significó conocer a importantes figuras (o a quienes lo serían, como fue el caso de Celia Cruz, que en 1944 se presentó en el Majestic como integrante de las bailarinas Las Mulatas de Fuego). Todo ello le ayudó a afinar su original estilo de pianista, pero también le permitió adquirir conocimientos que luego le ampliaron, desde el punto de vista téorico —porque Aldemaro siempre fue un autodidacta—, el pianista Moisés Moleiro y el maestro Rafael Minaya.

Moleiro lo condujo por la vía de la pianística y de la música autóctona, mientras que Minaya le amplió su visión de la orquestación moderna y el jazz, a los cuales se sintió profundamente atraído Aldemaro, que admiraba la sonoridad de la orquesta de swing de este maestro dominicano-venezolano, la cual se nutría del repertorio y sonido de las big-bands norteamericanas. Como en esos tiempos la música en Venezuela era muy elemental, este hecho despertó en Aldemaro su afán innovador, el cual se inspiró inicialmente en lo bailable, en el grueso sonido de la orquesta neoyorquina de Machito y, en el plano del swing y el jazz, en las masivas sonoridades de Stan Kenton, a quien posteriormente le hiciera algunos arreglos, llevado de la mano de su amigo Chico O’Farrill.

En su corto período de aprendizaje de lo popular, que abarca el comienzo de los años cuarenta, Aldemaro se convirtió en arreglista de la famosa orquesta de Luis Alfonzo Larrain, de quien recibió valiosos consejos profesionales y el ejemplo en el manejo de una orquesta, lo cual le hizo reconocer la importancia de la disciplina, la organización y la buena administración en agrupaciones de cualquier naturaleza.

Ya de pantalones largos, mientras se desenvolvía como pianista y arreglista ocasional, a la vez que se asomaba a la composición (el bolero Me queda el consuelo lo escribió en 1945, a los diecisiete años), Aldemaro obtuvo sus primeras experiencias dentro de un cuerpo musical al ingresar como pianista en la Sonora Caracas y en Los Caciques y, luego, como pianista-director de la efímera orquesta Rafa-Víctor (en la cual tocaba el saxofón y clarinete Alirio Díaz). Esto le dio suficiente experiencia para, en 1949, ingresar a la orquesta de Luis Alfonzo Larrain, con la cual trabajó durante nueve meses. En ese mismo año, Antonio Cortez, quien entonces regentaba una tienda de discos (Discolandia) en El Silencio, le armó su primera orquesta, con la cual debutó en 1949. Dada la fiebre que entonces causaba el explosivo mambo, Aldemaro grabó varios surcos en un cine, a fin de generar el eco logrado por las grabaciones de Pérez Prado, y escribió uno propio: Radar.

Dado su apego a la música de Billo, el público del patio no aceptaba su innovador sonido (si bien obtuvo cierto éxito con Los camarones); pero tuvo la suerte de ser llamado a Nueva York por Alfredo Sadel, con quien hizo temporada record de catorce semanas en el Chateau Madrid, del gallego Ángel López (quien doblaba como propietario de ese club y manager de Kid Gavilán). Firmado Alfredo Sadel por la RCA mexicana, Aldemaro se encargó de respaldar los que fueron los primeros éxitos del joven tenor (Señora María, etc.), los cuales arregló arreglados con innovadoras voces modernas, sin saxofones. Más adelante, Aldemaro le arreglaría a Sadel Alma libre, que el tenor grabó en Cuba haciendo dúo con Beny Moré, y todo un álbum (Fiesta latinoamericana), que grabaron en México.

Después de la exitosa temporada de ambos venezolanos en Nueva York, y luego de viajar a Cuba y México con Sadel, Aldemaro produjo su impactante Dinner in Caracas. Corría el año de 1952 y el disco fue posible gracias que el productor Herman Díaz Jr. (de la RCA) aceptó grabarlo bajo el compromiso, hecho desde Venezuela por Amable Espina, de adquirir cinco mil discos. La cifra se quedó corta y el álbum fue el más vendido ese año en Venezuela y en toda Latinoamérica. Con este álbum inició la RCA Victor una serie de discos “Dinner”, correspondiéndole a Aldemaro la grabación de Dinner in Colombia, que fue seguido con otro (Flight to Romance) contentivo de música latinoamericana. La Victor luego le grabó otros discos de música venezolana con orquesta de salón, hasta que Aldemaro lo hizo por cuenta propia para su propio sello (Cymbal), para el cual produjo El garrasí y Criollísima (que contiene Concierto en la llanura, magníficamente orquestado sobre la grabación original de J.V. Torrealba, gracias a la técnica del ingeniero de sonido mexicano Pancho Cárdenas, quien tenía a su cargo las grabaciones de Pérez Prado y Esquivel).

Durante su estada en Nueva York, Aldemaro tocó en diversas orquestas, enviado por el sindicato de músicos (en una de las cuales acompañó a la pareja de Dean Martin y Jerry Lewis), además de hacerlo con la suya propia en un LP de mambos al lado de Tito Puente, Tito Rodríguez y Noro Morales. Con su quinteto (de piano y vibráfono) tocó en el famoso resort Grossinger’s (donde tuvo como bailarín a Elliott Gould, futuro esposo de Barbra Streissand). Con su orquesta grabó también Stranger in Paradise (emulando un poco la trompeta y sonido de Cerezo rosa, que acababa de ser un hit de Pérez Prado, en 1955); con el quinteto grabó diversos temas, básicamente en ritmo de mambo-jazz y cha cha chas. En Venezuela, capitalizó sus arreglos de Dinner in Caracas y de otros álbumes similares en conciertos, en la Concha Acústica y en un programa de televisión (Conciertos Firestone). También produjo El Show de Aldemaro Romero, en el cual presentó a artistas como Louis Armstrong, Maurice Chevalier y Trini López, a quienes acompañó con su poderosa orquesta (la cual tuvo como coristas a las famosas Hermanas Dolly).

En 1961 se escuchó el grito de ¡En el Ávila es la cosa!, creado por Aldemaro para los carnavales de ese año, en ese hotel. Alrededor de 1967 alternó con Tito Puente y La Lupe en El Molino de Tony Grandi (cantando Germán Fernando y Rolando Laserie), pero, años antes, se había presentado con éxito en diversos escenarios carnavalescos (como el Club Casablanca) y en otros locales, acompañando a artistas como Daniel Santos y otros.

Poco después, hacia 1969, ideó la Onda Nueva, con la cual venía experimentando en el recinto del Círculo Musical (club de discos que ayudó a crear en 1963). Este estilo, que contó con el respaldo del toque oportuno toque de batería de Frank Hernández (El pavo), elevó el joropo venezolano a una música de mayor universalidad, al ser tocado con armonías modernas e inflexiones de jazz. La Onda Nueva debutó en el lujoso Novgorod de Altamira (Caracas) y culminó con tres fenomenales festivales mundiales (1971-73), a los que asistieron notabilísimas figuras internacionales que contribuyeron a popularizar este estilo como una expresión renovadora de la música venezolana.

Además de sus numerosas grabaciones realizadas en diversos países, Aldemaro grabó en Los Ángeles La Onda en inglés y The New Wave, instrumental con el guitarrista Charlie Byrd. Sus docenas de composiciones incluyen números como Tonta, gafa y boba, Toma lo que te ofrecí, El Catire y De Repente. Algunas de ellas fueron para el cine (como el Tema de amor, para la producción ítalo-venezolana La epopeya de Bolívar) o para su propias grabaciones, como es el caso de Quinta Arauco, Doña Mentira, Carretera y Conde a Principal, incluidas en Dinner in Caracas Vol. 2, con el cual cerró el ciclo de música criolla con ropaje sinfónico, sin olvidar los LPs grabados en Londres con María Teresa Chacín y muchos otros de los tantos que deja como legado musical a Venezuela y al mundo y las presentaciones personales en diversos escenarios y festivales del mundo, en los cuales cosechó aplausos y premios.

En 1978, Aldemaro fundó la orquesta Filarmónica de Caracas, de donde le quedó el gusto por escribir obras académicas, lo cual hizo con gran dedicación y maestría en la última década.
Al revisar su hoja artística, podemos decir que Aldemaro Romero fue el músico más completo, más polifacético, más innovador y de mayor talento que ha tenido Venezuela.

Liza Minnelli

ayer lunes 12 de marzo de 2018 cumplió años la cantante y Actriz Norteamericana

Hija del productor y cineasta de origen siciliano Vincente Minnelli y de la actriz y cantante estadounidense Judy Garland, a los dos años de edad apareció en una película de su madre. Sus padres se divorciaron cuando tenía cinco años y tuvo que vivir en sitios diferentes, unas veces con su padre y otras con su madre. Empezó a labrarse una carrera en solitario en Nueva York, y pronto se consolidó como una electrizante artista de cabaré. Su presencia, la personalidad de su estilo, la perentoriedad de su dicción y el vibrato de su voz eran deudores del estilo de su madre, pero su personalidad tenía un magnetismo propio.

En 1961 consiguió el papel protagonista en la producción de El diario de Ana Frank.Pronto conseguiría también distintos papeles en producciones musicales de compañías itinerantes. En 1964 apareció junto a su madre en una actuación televisada en el London Palladium y poco después ganaría un premio Tony por su debut en Broadway con el musical Flora, the Red Menace (1965). Durante los dos años siguientes actuó con gran éxito en clubes nocturnos, para pasar después al cine.

Desde su debut cinematográfico en 1968 se reveló como una actriz competente y vital, combinación de dureza y vulnerabilidad en un cuerpo que transpiraba energía. Nominada al Oscar por su emotiva interpretación en The Sterile Cuckoo (1969), de Alan J. Pakula, obtuvo el Oscar a la mejor actriz por Cabaret (1972), una excelente película que ha quedado asociada a su trayectoria.

Liza Minnelli encarnó en el filme a Sally Bowles, una cantante estadounidense de cabaré algo alocada e irresponsable que vive en el Berlín inmediatamente posterior a la subida de Hitler al poder. A la pensión en la que se aloja llega Brian Roberts (Michael York), un joven profesor inglés con el que mantendrá una relación que fluctuará entre el romance y la amistad. Sally es deseada también por el corrupto y ambiguo aristócrata alemán Maximilian von Heune (Helmut Griem); las andanzas de este trío protagonista se salpican con los números musicales que Sally-Minnelli interpreta en el Kit-Kat Club.


Liza Minnelli en Cabaret (1972)

Ocho Oscar se llevó este clásico moderno, punto de inflexión en la historia del cine musical: además del galardón a la mejor actriz para Liza Minnelli, Bob Fosse se llevó la estatuilla al mejor director y Joel Grey (impagable en su histriónico papel de maestro de ceremonias del cabaret) el Oscar al mejor actor secundario. El filme supuso una revitalización del musical que resultaría a la postre efímera; pero hay que destacar cómo Bob Fosse logró dar una impronta madura al género, liberándolo de sus ingenuas simplificaciones sentimentales y acercándolo a temas como la política y el sexo.

En 1985 realizó una gira de conciertos y ganó un Globo de Oro por su papel en el telefilme A Time to Live (Tiempo de vivir). En los años 90 su carrera se vio perjudicada por los problemas de drogadicción y de obesidad, de los que tardó en recuperarse. En el año 2002, ya recuperada, volvió a los escenarios y a la televisión. Otras películas destacadas de su filmografía son Lucky Lady (1975), New York, New York (1977), Arthur, el soltero de oro (1981), El rey de la comedia (1983), Chicago en rojo (1988) y Un paso adelante (1991).

fuente: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/minnelli_liza.htm

fito paez de cumpleaños

Fito_PaezHoy martes 13 de Marzo de 2018 está de cumpleaños el cantante Argentino

Nació el 13 de marzo de 1963 en Rosario (Argentina).

Hijo de Margarita Zulema Ávalos, pianista y profesora, y de Rodolfo Páez, administrativo.

Cuando tan solo tenía ocho meses de vida, su madre muere a causa de un cáncer de hígado, por lo que fue criado por su progenitor y su abuela paterna.

Desde muy joven escuchó a Duke Ellington, Antonio Carlos Jobim, Frank Sinatra y a Astor Piazzola. Cursóestudios de piano. En su adolescencia se hizo un fanático de los Beatles y seguidor del rock argentino con músicos como Luis Alberto Spinetta y Charly García. Su padre le regaló el primer piano eléctrico. Con su Yamaha y en la fiesta de egresados de su promoción, tocó un tema suyo compuesto para el curso.

A finales de los años 80 del siglo pasado, se integró a la banda de Juan Carlos Baglietto, rosarino. Como autor, arreglador y teclista de esa formación, Fito hizo su apareció en la capital. En el Coliseo porteño, teatro en el que se llevaba a cabo una serie de presentaciones de Baglietto, conoció a Charly García y posteriormente se integra en su banda. Junto a García desde 1983, siguió componiendo sus temas, y en 1984 grabó su primer disco como solista.

Los temas de Del ’63 impactaron con referencias al rock, jazz, tango y del folklore. Lo presentó en el teatro Astros de Buenos Aires, y aunque siguió un par de años en la banda de García, desde entonces no interrumpió nunca su actividad como solista. En 1993, hizo su debut como director en un mediometraje con guion propio, basado en La Balada de Donna Helena, uno de los temas de “El amor después del amor“. Como actor tuvo pequeñas incursiones en las películas “Sur” y “El viaje“, de Fernando Solanas, y en “De eso no se habla“, de María Luisa Bemberg.

Circo Beat” fue producido por Fito y Phil Manzanera, siendo grabado en Rosario, Capri (Italia) y Londres (Inglaterra). “Euforia“, el “unplugged”, es su cuarto álbum para Warner Music Argentina y es grabado en el estudio Alberto Olmedo de Telefé por el estudio móvil de Circo Beat (excepto dos temas grabados en el estudio El Pie). Tras “Euforia”, grabó con Joaquín Sabina, el famoso compositor español “Enemigos Íntimos” aunque la historia no tuvo un buen final, terminaron cancelando una gira con más de 60 fechas por América y España con una poesía de despedida.

En 1999 reapareció para hacer la presentación de un nuevo disco “Abre“. Su película “Vidas Privadas“, se presentó en Madrid el 26 de octubre de 2001. Páez intenta conectar “la sexualidad y su represión, los efectos de la dictadura, los niños robados, el mito de Edipo”. El film está protagonizado por la que fuera su esposa, Cecilia Roth, que encarna a Carmen Uranga, una mujer exiliada en España después de haber padecido torturas de los militares y de haber dado a luz en el calabozo a un hijo que nunca volvió a ver.

En mayo de 2003, se lanza “Naturaleza sangre“, y en diciembre del 2004, “Mi vida con ellas“, disco doble con actuaciones  grabadas en en distintos recitales. En el año 2005 sale “Moda y pueblo“, y el 21 de septiembre de 2006 “El mundo cabe en una canción“. El 30 de agosto de 2007, pone a la venta el disco “Rodolfo“, y el 1 de octubre de 2008 su segundo disco en vivo “No sé si es Baires o Madrid“, grabado el 24 de abril del mismo año en el Palacio de los Congresos, en Madrid (España).

El 22 de julio fue galardonado con el premio Gardel a la música 2009 en la categoría: «Mejor álbum artista canción testimonial y de autor» por No sé si es Baires o Madrid. El 5 de noviembre de 2009, ganó en los premios Grammy Latinos al mejor álbum vocal pop masculino, por No sé si es Baires o Madrid. En 2010, estrena el álbum Confiá y en diciembre de 2011 grabó Canciones para aliens. A mediados de 2012, presentó su gira Veinte Años después del Amor, que lo llevó a actuar por toda Latinoamérica. En 2013, presentó Dreaming Rosario en septiembre, y Yo te amo en noviembre, sendos álbumes de estudio. En julio de 2014, lanzó el primer single de su nuevo trabajo, Rock and Roll Revolution con el que hace homenaje a su compatriota Charly García.

Casado con Fabiana Cantilo de 1983 a 1990, pareja de Cecilia Roth de 1992 a 2001 y con Romina Ricci de 2002 a 2005, con la que tuvo en 2004 a su hija Margarita. Desde principios de 2012 y finales de 2013, estuvo relacionado con la periodista Julia Mengolini.

fuente:http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/429/Fito%20Paez

soraya

https://goo.gl/images/9DkLjdHoy domingo 11 de marzo de 2018 cumplirìa años la cantante Colombiana

Soraya nació en Bergen Country, Nueva Jersey, un 11 de marzo. Antes de cumplir su primer año, sus padres regresaron a Colombia, donde vivió hasta los 9 años. A los cinco años Soraya comenzó a tocar la guitarra de una forma auto didacta guiada únicamente por su gusto hacia la música, posteriormente tomó clases de violín clásico y siendo parte de la Sinfónica Juvenil logró pisar escenarios como el Carnegie Hall de Nueva York.
Una de sus grandes influencias ha sido el ídolo británico Sting pues dice que se sentía obsesionada con sus canciones.
En la secundaria le encantaba la lectura y, especialmente, la poesía. Durante esa época descubrió algo que la llevaría un paso más adelante en su camino vocacional, pues según sus propias palabras se dio cuenta de que con la música podía unir ambos mundos.
En la Universidad Rutgers, de donde se graduó en 1991, decidió especializarse en literatura inglesa y se saturó de las obras de William Shakespeare, D.H. Lawrence y Virginia Wolf.
A lo largo de la rica trayectoria de Soraya, se han usado miles de adjetivos para describir su música: Orgánica, original, incisiva, lírica.
Soraya es una luchadora en su carrera y en la vida. Música de bellas melodías contrarrestadas por una letra inteligente, propia de una escritora colombiana con alma internacional. Una música donde el atractivo comercial nunca doblega la sofisticación y elaboración artística. La de la joven cantautora que enamoró al público latino y no latino con sus temas bilingües y sonido moderno. La de la estrella en ascenso cuyo brillo fue súbitamente coartado por su encuentro con el cáncer. La de la mujer luchadora que, contra todas las expectativas, supera su enfermedad y vuelve triunfante al escenario.
Con una entusiasta acogida, Soraya debutó en 1996 con su álbum En Esta Noche/On Nights Like This (Polygram Latino/Island Records). Su carrera despegó cuando una canción de este álbum ocupó el primer lugar en las listas del Billboard de la Canción Latina Pop, en 1996, y otra ocupó el sexto lugar. Al lanzar simultáneamente versiones en inglés y en español de una misma producción escrita y grabada por ella, produjo un instantáneo éxito transcultural con el tema “De Repente”/”Suddenly”. El éxito fue inmediato en Latinoamérica y en el mercado hispano en los Estados Unidos, y luego de componer la banda sonora para una serie internacional de televisión, le siguieron ventas de cientos de miles de discos en Alemania y Australia. Una estrella había surgido y su potencial era ilimitado.
En 1998 ella continuó rápidamente con “Torre de Marfil”, coautora de la pista principal con su ídolo musical Carole King. Su inconfundible voz y el poder de las melodías le significaron invitaciones a una gira internacional con Sting, Alannis Morisette, Michael Bolton y Natalie Merchant.
En el 2000, dos semanas antes de iniciar su propia gira nacional para promocionar su tercera producción “Cuerpo y Alma”, a sus 31 años de edad sufrió un duro revés: le diagnosticaron cáncer de mama en etapa 3, una enfermedad que le había costado la vida a su madre, a su tía y a su abuela.
Luego de dos años de intenso tratamiento contra el cáncer del seno, la salud de Soraya le permitió volver a la música. Dedicó un año a hablar públicamente y a escribir Soraya, el registro sonoro de ese momento exuberante en su vida. Ella inmediatamente acudió a los estudios para coordinar, ejecutar y producir este exquisito e inspirador CD.
“Soraya” contiene 11 canciones en español y una en inglés; canciones tan íntimas y llenas de energía que se unen con naturalidad para conformar un álbum en el que Soraya comunica cómo se siente hoy: positiva, llena de poder, energía y dedicación, tanto en su música como en su mensaje de esperanza para las mujeres con cáncer.
El primer corte del álbum es el tema “Casi” cuya esencia es definida por la artista como el “canto del triunfo de la vida”. Sea que busques tu camino de salida tras una pérdida amorosa, la tristeza o el cáncer, Soraya encuentra esa fibra común en la desgracia, el lugar en donde la tragedia es vencida y la dicha surge nuevamente, comprobando que sin el dolor no conoceríamos la alegría y la dulzura. Y “Casi”, definitivamente estimula.
El disco combina géneros como el folk, música latina, R&B, pop y country, todo ello dentro de un estilo muy suyo. La Fundación Susan G. Komen para el Cáncer de Mama (The Susan G. Komen Breast Cancer Foundation) la eligió como su vocera latina, y Soraya ha hecho incansables giras por Estados Unidos, Puerto Rico, Costa Rica y México, así como por Centro y Sudamérica, generando una sustancial actividad a nivel de los medios en lo relacionado con la conciencia sobre esta enfermedad, tarea que combina con la promoción de su material discográfico.
Gracias a este disco Soraya resulto ganadora de un Grammy Latino en el 2004 en la categoría de mejor cantautora, llevándose la estatuilla por encima de ‘monstruos’ como Joan Sebastián, Juan Gabriel y Joan Manuel Serrat.
Su última producción se llama ‘El Otro Lado de Mí’, y aunque su nombre dice mucho, no lo dice todo. Es un álbum de contrastes, desde el rojo de su carátula hasta los acordes iniciales y roqueros de su primera canción, ‘Ser’. Escrito por Soraya, y producido por ella misma junto con Sebastián Krys (productor de Carlos Vives, Obie Bermúdez y Gloria Estefan, entre otros), ‘El Otro Lado de Mí’ es un viaje de estilos y culturas, una muestra de lirismo romántico, pop comercial y comentario social.
A pesar de su constante lucha, su temple y su fuerza por dar un mensaje de fortaleza y conciencia sobre la enfermedad que la aquejó durante años, finalmente el 10 de mayo de 2006 su voz se apagó.
Soraya falleció a los 37 años de edad en Miami, luego de una recaída en su estado de salud, que la mantuvo en un estado crítico y por la cual escribió una emotiva carta en su página en internet dirigida a sus seguidores.
“Mi historia física puede llegar a su fin, pero estoy segura que la que existe en el corazón de ustedes seguirá presente por la eternidad”…
“Confío en que mi existencia dejará huella en la vida de ustedes beneficiando en un futuro a muchas mujeres y que la luz de mi vida iluminará la de muchas familias más”, añadió la misiva de Soraya, quien ese año celebró una década en el mundo de la música.
En la carta publicada en su sitio oficial, finalizaba diciendo: “hoy no pierdo esta batalla porque sé que lo que he luchado no es en vano, si no que ayudará a vencer una batalla mayor, la de la detección temprana y prevención de este terrible mal”… “Ahora les toca a ustedes seguir con nuestra misión. Deseo de corazón contagiarles mi amor a la vida y que seas tú un canal que lleve a mucha gente este mensaje que puede salvarles la vida”. fuente:

http://musica.itematika.com/biografia/i177/soraya.html

Ástor Piazzolla

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Hoy domingo 11 de marzo de 2018 cumplirìa años el Compositor y bandoneista argentino

Desde 1924 hasta 1937 residió en Nueva York, donde sus padres se radicaron.
Cuando contaba con muy pocos años, comenzó a entrar en contacto con la música popular de su país de la mano de Aníbal Troilo, un especialista del género. Además estudió música clásica con el compositor argentino Alberto Ginastera en Buenos Aires, y con la francesa Nadia Boulanger, en París.

En Nueva York, Carlos Gardel lo invita a grabar varias piezas de su película “El Día que me Quieras” en la que a su vez aparece en pantalla como el canillita. En 1937, vuelve a la Argentina donde comienza verdaderamente su carrera como bandoneonista en la orquesta de Aníbal Troilo.

Dentro de su obra destacan: Rapsodia porteña, para orquesta (1952), la sinfonía en tres movimientos Buenos Aires (1953), Oda íntima a Buenos Aires(para recitante, canto y orquesta), Tango sinfónico, Tangata (para orquesta), un concierto y una suite para bandoneón y orquesta y La serie del ángel. Dentro del tango, destacan títulos tan conocidos como ‘Balada para un loco‘ (1953), ‘La muerte del ángel‘, ‘Adiós nonino‘ y ‘Verano porteño‘.

Renovó de forma decisiva el tango, introduciendo nuevas estructuras armónicas y rítmicas tomadas de la música clásica y del jazz; esto dio lugar a lo que llamó “música contemporánea de Buenos Aires“.

En febrero de 1993, en Los Angeles, Piazzolla fue nominado a los Grammy Awards 1992 por “Oblivion” en la categoría “Mejor Composición Instrumental”.

Ástor Piazzolla falleció en Buenos Aires el 4 de julio de 1992 de una trombosis cerebral. fuente:

http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/3674/Astor%20Piazzola

Alberto Cortez

Hoy domingo 11 de marzo de 2018 cumple años el compositor, cantante y poeta Argentino

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Alberto nació el 11 de marzo de 1940 en Rancul, provincia de La Pampa. Estudió música en el Conservatorio Chopin de la ciudad de Mendoza y a los 20 años viajó a Europa para iniciar su carrera artística.
En 1960 grabó sus primeros discos en Bélgica, realizando luego una gira por diferentes países europeos como Holanda, Alemania, Francia, Italia y España, donde se estableció desde 1964. Tres años después se presentó en el Teatro de la Zarzuela de Madrid con una Orquesta dirigida por Waldo de los Ríos.
Tras haber alcanzado una gran popularidad en Hispanoamérica, realizó una serie de giras por éste continente con un gran éxito artístico y con un público cada vez mayor.
En septiembre de 1992 realizó un show en el Teatro Colón de Buenos Aires acompañado por Ricardo Miralles en piano y la Orquesta Sinfónica de la Plata dirigida por José Caril; siendo el primer cantante de canción popular en presentarse en el mítico lugar. Al año siguiente graba en Los Angeles su disco “Aromas” bajo la dirección de Bebu Silvetti.
En 1994 con Facundo Cabral inicia una temporada con un espectáculo creado exprofeso llamado “Lo Cortez no quita lo Cabral”. Se estrena en México en el Teatro de la Ciudad, en donde cumplen las cien representaciones.
En 1995 Debuta en Madrid con “Lo Cortez no quita lo Cabral” en el Teatro Reina Victoria y cumple allí las 75 funciones. Luego debutan con el mismo espectáculo en Buenos Aires.
En 1996, durante la temporada de verano en Mar del Plata, Alberto sufre un ataque cerebral y es operado el 18 de enero de una obstrucción de carótida por el Dr. Juan Carlos Parodi y su equipo. Sale airoso de la operación, pero le quedan secuelas que no le permiten volver a acompañarse con su guitarra, sin embargo continúa dando recitales con sus músicos bajo la dirección musical de Ricardo Miralles por todo el mundo. Su retorno al escenario se lleva a cabo en Quito, invitado por su amigo Oswaldo Guayasamín, quien pinta un retrato de Cortez que permanece en la “Capilla del Hombre”, obra póstuma del gran pintor ecuatoriano.
Durante 1997 Vuelve a Buenos Aires al Teatro Ópera y se reencuentra con la gente que asistió angustiada a su proceso hospitalario puntualmente informada por todas las cadenas de televisión y radios de Argentina. Es invitado por la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico para ofrecer conciertos como artista invitado en el Palacio de las Bellas Artes de San Juan.
En 1998 Graba en su estudio de Madrid una colección de 70 de sus canciones con el pianista Ricardo Miralles. Obra única por su alto valor artístico, editada en México por Azteca Music con el título “Cortez al desnudo”. Esta obra contiene cinco discos compactos y un documento gráfico con todos los textos de las canciones y la explicación de cómo y por qué fueron compuestas cada una de ellas. También bajo la dirección musical de Miralles graba “Fe”.
En el año 2000, la canción “Cuando un amigo se va”, conjuntamente “Alfonsina y el mar” y “Gracias a la vida”, son consideradas según encuesta de un periódico de Chile como las tres mejores canciones en castellano del siglo XX. Ofrece por todo el territorio español una serie de conciertos de cámara bajo el título de “Cortez al desnudo” con Ricardo Miralles.
En el 2001 Vuelve a México y se presenta en diversos teatros del país llevando como invitados a Estela Raval y Los 5 Latínos. El espectáculo se llama “En un rincón del alma”. Durante esos conciertos se graba un disco doble a manera de documento en directo con el título del espectáculo.
En el año 2002 graba un disco bajo la dirección musical de Tino Geiser llamado “Cuando llega la noche” pendiente de ser editado.
En el año 2003 recibe, junto a la cantante Estela Raval el Premio Carlos Gardel por el disco “En un rincón de alma” como Mejor Álbum romántico melodico.
En su larga trayectoria cuenta con una amplia discografía, infinitas presentaciones en televisión y libros de su autoría: “Equipaje”, “Soy un ser humano”, “Almacén de almas” y “Desde un rincón del alma”. Siguen los discos “Después del amor” (2003), “Alberto Cortez Sinfónico” (2004) e “Identidad” (2005).
En 2007 sale al mercado el trabajo doble titulado “Acústico”. Cortez edita el libro “Por los cuatro costados”, una compilación de todos sus trabajos literarios. Al año siguiente “A voces”. En 2009 se edita una nueva placa doble, “Íntimo”.
Los días 11 y 12 de marzo festeja su cumpleaños cantando en el Teatro Coliseo de Buenos Aires y presenta “Tener en cuenta”, disco compuesto por 12 canciones originales; cuenta con la colaboración deRicardo Arjona en “Mi árbol y yo”. Es declarado Huésped de Honor por la Municipalidad de La Plata, provincia de Buenos Aires. Luego realiza en Chile la gira “Alberto Cortez acústico” y durante mayo en México, presentando “Tener en cuenta”, disco nominado como Mejor Disco de Cantautor en los premios Grammy. Hacia finales de año realiza shows en España y regresa a Latinoamérica para presentarse en Colombia y México en noviembre. fuente:

http://www.cmtv.com.ar/biografia/show.php?bnid=77

Sara Montiel

Hoy sàbado 10 de marzo de 2018 cumpliría años la cantante y gran actriz de España, Sarita Montiel.

Nacida un 10 de marzo de 1928 en Campo de Criptana, Ciudad Real.

Fue internada en un convento de dominicas y posteriormente cursó estudios en el colegio Jesús María de Orihuela (Valencia). A los 15 años de edad fue descubierta por el productor Vicente Casanova, quien le presenta en un concurso de nuevas actrices.

En 1944 debuta en el cine con el seudónimo de María Alejandra. Cuando Enrique Herreros se convierte en su agente, se lo cambia por el definitivo de Sara Montiel. Su carrera se inició con Te quiero para mí (L. Vajda, 1944). Después rueda Empezó en boda (R. Matarazzo, 1944), Mariona Rebull (José Luis Sáenz de Heredia, 1947), Locura de amor (Juan de Orduña, 1948) y La mies es mucha(Sáenz de Heredia, 1949).

En 1950 parte hacia México y durante seis años se convertirá en una de las estrellas preferidas por el público azteca. Será su época radiante e internacional, codeándose con lo mejor de la intelectualidad española en el exilio. Posteriormente intenta la aventura hollywoodiense: Veracruz (Robert Aldrich, 1954), Dos pasiones y un amor (Anthony Mann, 1956) y Yuma (Samuel Fuller, 1957). Súbitamente se convierte en la estrella más popular en lengua española con El último cuplé (Juan de Orduña 1957). Sigue su éxito con La violetera(Luis César Amadori, 1958), Carmen la de Ronda (Tulio Demicheli, 1959), Mi último tango (L. C. Amadori, 1960), Pecado de amor (id. 1961), donde interpreta a una monja, La bella Lola (Alfonso Balcázar, 1962) inspirada en el personaje de Margarita Gautier.

A medida que la censura va siendo reducida va poco a poco mostrando su anatomía, a la vez que su popularidad va en declive, ayuda de algunos realizadores más jóvenes (Esa mujer, Mario Camus, 1968) o prestigiosos (Varietés, Juan Antonio Bardem, 1970).

Contrajo matrimonio con Anthony Mann del que se divorció en 1964. Después se casa con el ingeniero Vicente Ramírez Olalla en Roma. Posteriormente se une aPepe Tous, propietario de un periódico mallorquín, con el que decidió adoptar dos hijos: Thais y Zeus, Tous fallece en agosto de 1992 y posteriormente, en octubre de 2002, se casó con el cubano Tony Hernández. La ceremonia civil se celebró en el Ayuntamiento de Majadahonda, y fue oficiada por el alcalde de esta localidad madrileña.

Sara Montiel murió el 8 de abril de 2013 en Madrid a los 85 años de edad. fuente:

http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/2577/Sara%20Montiel

la india

hoy viernes 9 de marzo de 2018 cumple años Linda Viera Caballero (nacida el 9 de marzo de 1969), más conocida por su nombre artístico La India, también como La Princesa de la Salsa, es una cantante puertorriqueña.

Su carrera artística comenzó en la ciudad de Río Piedras. Ha colaborado cantando a dúo con el cantante Marc Anthony en estudio y concierto en vivo el tema Vivir Lo Nuestro, algunas de sus canciones en salsa las ha versionado a balada como Sedúceme y Traición en el año 2002. Marc Anthony también ha sido el principal blanco de sus críticas diciendo que perdió la sencillez, que en palabras de ella ya no es como cuando lo conoció.

Actualmente se le vincula en trabajos vinculados al reggaeton junto al productor “DJ Memo”. “La India” es la mujer con más éxitos en el Billboard Tropical/Salsa y una de las mujeres más conocidas en la música tropical.
un gran repertorio y na gran discografia especialmente en el gènero de la salsa le han hecho acreedora a un sinnùmero de premios.
fuente:
http://www.musica.com/letras.asp?biografia=8446